Ganbara

Diego Matxinbarrena

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Diego Matxinbarrena

(Donostia-San Sebastián, 1961)

De formación autodidacta, recibe sus primeras influencias artísticas de sus hermanos Javier y Álvaro. Entre los años 1984 y 1990 realiza sus primeras creaciones en Bilbao, donde convive y comparte taller con algunos estudiantes de Bellas Artes. Participa entonces en numerosos concursos, obteniendo el 2º premio Gure Artea del año 1987. Empieza a frecuentar Arteleku. Primero formándose en sus talleres (de 1990 a 1995) y más tarde (de 1995 a 2000), como artista del Centro, con la cesión de un estudio donde trabajar. Allí participará en la exposición colectiva “Procesos y Azares” del año 1997. Período importante de aprendizaje y de experiencias compartidas con otros artistas, que definirán su manera personal de entender el arte. Obtiene la Beca de Creación Koldo Mitxelena el año 2005. Interesado, como ha estado siempre, por el diseño industrial, asiste en 2008 a unos cursos organizados por la Comunidad de Madrid. Durante los años 2009 al 2012 comparte los locales de la Asociación Artística de Gipuzkoa. En la actualidad, trabaja en su estudio de Gros, donde se puede ver, entre otras, una de sus últimas obras, “Kalostra, 2015”, compuesta por diversas imágenes del interior del edificio que fue su sede.

Su obra está en numerosas colecciones y ha sido seleccionada repetidas veces en concursos de dibujo y pintura a nivel nacional. De ella se han ocupado críticos de arte y profesores de la universidad. Valorada especialmente por los arquitectos de su ciudad, le han dedicado exposiciones tanto en el Colegio (2005) como en la Escuela de Arquitectura (2013). En los últimos años, el artista, que ha entrado en un período más reflexivo, escribe pequeños textos a partir de sus cuadros, dibujos y esculturas, que publica junto a sus obras y explica en talleres.

Del 14 deabril al 21 de mayo de 2016
Ganbara, 3er piso

Horario: De martes a sábado,  11:00 - 14:00 / 16:00 - 20:00

 

 

 

 

 

 

Soka. Miradas a la danza vasca

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SOKA Mirdas a la danza vasca

La exposición itinerante SOKA producida por el Instituto Cultural Vasco nace con el objetivo de dar a conocer mejor la danza vasca. Una exposición multimedia de 150m2, presentada en cuatro lenguas (euskera, francés, español e inglés), que incluye más de 400 ilustraciones (fondos fotográficos y filmaciones, testimonios, extractos sonoros, etc.). Entre ellos se pueden admirar algunos tesoros procedentes de la Filmoteca Vasca y otros archivos casi desconocidos. A estos se suman nuevas creaciones de vídeo realizadas para esta exposición sobre aspectos  estéticos y sociales de la danza. Para poder admirar la riqueza de estos contenidos se han instalado pantallas táctiles, televisores HD y marcos numéricos.


Del 4 de febrero al 2 de abril de 2016
Ganbara, 3er piso

Horario: De martes a sábado,  11:00 - 14:00 / 16:00 - 20:00 (abierto también 24, 25 y 26 de marzo)

 

 

Alfonso Berridi - ibilbidea / trayectoria

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Alfonso Berridi

Nace en San Sebastián en 1958.
Se licencia en Historia del Arte en Madrid y realiza estudios de dorado y policromía en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.
A través del dibujo se sumerge en la práctica artística. En su primera época creativa, coincidente con la “movida” madrileña, pasa de forma natural a una creación escultórica figurativa irónica y desmedida en la que personajes humanos y juguetes raros evocan un especial interés por la soledad, el extrañamiento y la angustia de la persona.

Su atracción por los materiales cotidianos, “pobres” o industriales le lleva a utilizar telas metálicas, rejillas, ramas, papeles… creando volúmenes que insinúan espacios excéntricos, algunos de especial lirismo o de un equilibrio formal muy bello, y estableciendo una constante en su obra: manifestar su preocupación por la inaccesibilidad de los espacios habitables y por la necesidad humana del refugio.
Inicia así un período fecundo, en el que, desaparecida la figura humana, incorpora la madera recuperada como elemento central de su hacer. Escaleras imposibles, extraños remates en largas y estilizadas piezas que insinúan espacios de recogimiento u oración y las “casas de pájaros”, atractivos nidos a los que es imposible acceder, pondrán de manifiesto, con mayor fuerza si cabe, la incapacidad humana por compartir la intimidad, la dificultad de recibir al “otro”, de facilitarle la integración.
La utilización de otro material pobre, el cartón, permite de nuevo la aparición  de lo humano en su obra. Al principio por medio de palabras, después con la incorporación de perfiles humanos, más tarde con el uso de la fotografía que capta edificios planos y personas en actitudes cotidianas de trabajo, espera o encuentro. Así, edifica un universo sugerente e inquietante en el que la “falta de horizonte” de las obras propuestas incidirá en la soledad, futilidad y ensimismamiento de lo humano.
Su trabajo como ilustrador de viñetas en la prensa diaria le permitirá ahondar más en los temas existenciales de la humanidad. La injusticia, la violencia y el abuso son tratados con rapidez, soltura, profundidad e ironía.
Se cierra así el relato que une la ironía de la escultura figurativa y distorsionada de los ochenta con las últimas obras, donde esa ironía es sabia, medida y clara. Han sido treinta años de creación.
Alfonso Berridi muere en Madrid en 2013.

 

 

Exposición

15.11.27 - 16.01.16

de martes a sábados:
11:00 - 14:00 y 16:00 - 20:00

 (excepto festivos)

 

Simon Arrieta 1915-1969

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Simon Arrieta 1915-1969

El recorrido vital y artístico de Simon Arrieta se ve truncado por la Guerra Civil, penales y batallones de trabajadores, la dictadura posterior, y por una muerte prematura con apenas 54 años, cuando aún no había llegado a su madurez artística.

La pintura de Arrieta está directamente vinculada a la época que le tocó vivir. Sin apenas despegarse del modo de entender el arte que le proporcionaba la sociedad vasca de entonces, cultivó lo próximo, realizando una obra cercana, generosa y popular. Sería difícil encasillar su pintura en un solo estilo, influenciado por los grandes maestros del pasado  como Velázquez o Manet, así como algunos artistas vascos de generaciones precedentes como Zuloaga o Arteta. Arrieta proporciona una síntesis entre una actitud tradicional y una asimilación de cierto espíritu moderno. Su pintura plantea una figuración con algunas libertades modernas, de la mano de la geometrización neocubista o de las sensaciones procedentes del impresionismo. Cercano a la obra de autores vascos como Olasagasti, o Zumalabe.

Simon Arrieta se afianza en la realización de retratos, reflejando una indagación psicológica, penetrante y aguda de las personas. Pintores que conocieron su técnica y su obra, así como aquellos que fueron retratados por él, apuntan que Simon Arrieta era capaz de captar el espíritu del que estaba posando y trasladarlo al lienzo.

En las obras de Simon Arrieta predomina la pintura figurativa. En cuanto a la técnica utilizada, cabe destacar la pintura al óleo y dibujos al carboncillo. Poseedor de una enorme habilidad en la representación, combinando una ejecución cuidada y armoniosa con otra espontánea y rápida. Presta especial atención a las modulaciones lumínicas y espaciales.

El gran mérito de Simón Arrieta, aparte de su valor pictórico, en muy importante, es el haber multiplicado esa afición. La cultura artística de Bergara y la interminable lista de artistas locales de las últimas décadas son fruto del tesón y transmisión del gusto por el arte al que contribuyó Arrieta.

 

 

 

Exposición

15.10.08 - 15.11.14

de martes a viernes: 16:00 - 20:00

sábados: 11:00 - 14:00 y 16:00 - 20:00

(excepto festivos)

 

Etorri beharrekoa iritsi da - Lo que ha de venir ya ha llegado

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Etorri beharrekoa iritsi da - Lo que ha de venir ya ha llegado
Instalación:
Iratxe Jaio & Klaas van Gorkum: Produciendo tiempo entre otras cosas 

Produciendo tiempo entre otras cosas, 2011.
Instalación integrada por objetos de madera, fotografías y dos videoproyecciones.

Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum
(Markina-Xemein, Vizcaya, País Vasco, España, 1976). (Delft, Holanda, 1975)

La pareja de artistas Iratxe Jaio y Klaas van Gorkum residen en Róterdam y trabajan juntos desde 2001. En esta compleja instalación abordan los efectos de la globalización sobre el trabajo, las consecuencias que genera  la deslocalización de las empresas en contraposición al tipo de relaciones que, en etapas precedentes, eran habituales en las industrias manufactureras enraizadas en ámbitos locales, y que contribuían a su  configuración social. Sus análisis se centran además en las relaciones entre el arte y el trabajo, lo “productivo” y lo “improductivo”, para trazar una aproximación desde un punto de vista sociológico al valor que aporta la laboriosidad y la vida política que pueden asumir los objetos.

Esta obra toma como referente hechos y recuerdos de la biografía personal de Klass van Gorkum a través de la figura de su abuelo, Jos van Gorkum, obrero en la Fábrica de Hélices Lips, ubicada en la ciudad de Drunen desde 1939 (que sería clausurada, en 2010, y trasladada para continuar su producción en China). Jubilado en 1976, el abuelo de Klaas fue obsequiado por sus compañeros con un torno para madera que ellos mismos habían confeccionado en sus horas libres a partir de desechos de metal. Con él realizaría infinidad de objetos domésticos que distribuyó y vendió entre familiares, amigos y conocidos; aunque muchos de ellos no sobrevivirían al paso del tiempo y al cambio de los gustos, otros sí lo hicieron y fueron pacientemente localizados por Iratxe y Klaas.

El viejo artesano, antes de fallecer en 1996, legó a su hijo (el padre de Klaas) una caja de metal con recortes de revistas que había ido coleccionando, bocetos y diseños de diferentes objetos, y listas de precios de los artículos que había producido, con la idea de que algún día pudiesen serle de utilidad.

A.M.

 

 


 

 


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