Ganbara

1930 En el Pacto de San Sebastián. Historia y síncope

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Es una exposición Caso de estudio incluida en el proyecto Tratado de paz de San Sebastián 2016, Capital Europea de la Cultura y tiene lugar en la Sala Ganbara del Koldo Mitxelena Kulturunea en Donostia / San Sebastián. El 17 de agosto de 1930 se reunieron en Donostia / San Sebastián representantes de distintas tendencias ideológicas y políticas afines a ideas republicanassocialistas para llegar a un acuerdo y acabar con el reinado de Alfonso XIII. Juntos consensuaron un comité ejecutivo que, presidido por Niceto Alcalá-Zamora, coordinaría el movimiento revolucionario para la instauración de la Segunda República. Se considera que este encuentro gestó definitivamente el cambio hacia un nuevo paradigma político y social. Unos meses después, el 14 de abril de 1931, se formó el Gobierno Provisional de la Segunda República Española. La exposición parte del Pacto de San Sebastián que preparó la llegada de la Segunda República Española y continúa con la feminización de la imagen de la República, la mujer-símbolo y su encarnación en Antonia Mercé, “La Argentina”. Máxima distinción cultural de la propia República, La Argentina falleció el 18 de julio de 1936, impresionada por las noticias del golpe de estado, tras visitar Donostia / San Sebastián para asistir a una exhibición de danzas vascas. La convulsión física de la artista, su propio cuerpo, parecía encarnar los  acontecimientos históricos, y esa inflexión de lo individual en correlato con lo colectivo puede ser observada en otros artistas y en otras obras, como es el caso del bailarín Kazuo Ohno. Ohno, que comenzó a bailar tras haber visto a La Argentina, invoca medio siglo después su recuerdo en una nueva forma, la danza Butô. La exposición recoge instantes que resuenan en la historia y que sitúan al cuerpo como archivo de memorias individuales y colectivas. Escribe la comisaria, Isabel de Naverán: “Walter Benjamin nos dice que articular históricamente el pasado no significa reconocerlo como realmente fue, sino apoderarse de un recuerdo cuando se ilumina en un momento de peligro; porque el pasado, continúa, solo es atrapable como la imagen que relumbra en el instante en que se vuelve reconocible. El presente actúa así como un escáner de reconocimiento, una resonancia magnética cuya función sería la de detectar destellos en las zonas sombrías del ayer”. En efecto, La Argentina se quiebra ante la noticia del golpe de Estado. Esta fragilidad del cuerpo ante el arrollador paso de la historia –en las presentaciones de Envoltura, Idoia Zabaleta, Camila Telléz, Patricia Caballero e Iñaki Azpillaga evocan el suceso– es la luz, el foco desde el que leer el sucedido histórico. Resonancias y reverberaciones. Historia y síncope.

Del 10 de junio al 4 de septiembre de 2016
Ganbara, 3er piso

Horario: De martes a domingo,  10:00 - 20:00 Festivos incluidos

 

 

Diego Matxinbarrena

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Diego Matxinbarrena

(Donostia-San Sebastián, 1961)

De formación autodidacta, recibe sus primeras influencias artísticas de sus hermanos Javier y Álvaro. Entre los años 1984 y 1990 realiza sus primeras creaciones en Bilbao, donde convive y comparte taller con algunos estudiantes de Bellas Artes. Participa entonces en numerosos concursos, obteniendo el 2º premio Gure Artea del año 1987. Empieza a frecuentar Arteleku. Primero formándose en sus talleres (de 1990 a 1995) y más tarde (de 1995 a 2000), como artista del Centro, con la cesión de un estudio donde trabajar. Allí participará en la exposición colectiva “Procesos y Azares” del año 1997. Período importante de aprendizaje y de experiencias compartidas con otros artistas, que definirán su manera personal de entender el arte. Obtiene la Beca de Creación Koldo Mitxelena el año 2005. Interesado, como ha estado siempre, por el diseño industrial, asiste en 2008 a unos cursos organizados por la Comunidad de Madrid. Durante los años 2009 al 2012 comparte los locales de la Asociación Artística de Gipuzkoa. En la actualidad, trabaja en su estudio de Gros, donde se puede ver, entre otras, una de sus últimas obras, “Kalostra, 2015”, compuesta por diversas imágenes del interior del edificio que fue su sede.

Su obra está en numerosas colecciones y ha sido seleccionada repetidas veces en concursos de dibujo y pintura a nivel nacional. De ella se han ocupado críticos de arte y profesores de la universidad. Valorada especialmente por los arquitectos de su ciudad, le han dedicado exposiciones tanto en el Colegio (2005) como en la Escuela de Arquitectura (2013). En los últimos años, el artista, que ha entrado en un período más reflexivo, escribe pequeños textos a partir de sus cuadros, dibujos y esculturas, que publica junto a sus obras y explica en talleres.

Del 14 deabril al 21 de mayo de 2016
Ganbara, 3er piso

Horario: De martes a sábado,  11:00 - 14:00 / 16:00 - 20:00

 

 

 

 

 

 

SOKA Miradas a la danza vasca

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SOKA Mirdas a la danza vasca

La exposición itinerante SOKA producida por el Instituto Cultural Vasco nace con el objetivo de dar a conocer mejor la danza vasca. Una exposición multimedia de 150m2, presentada en cuatro lenguas (euskera, francés, español e inglés), que incluye más de 400 ilustraciones (fondos fotográficos y filmaciones, testimonios, extractos sonoros, etc.). Entre ellos se pueden admirar algunos tesoros procedentes de la Filmoteca Vasca y otros archivos casi desconocidos. A estos se suman nuevas creaciones de vídeo realizadas para esta exposición sobre aspectos  estéticos y sociales de la danza. Para poder admirar la riqueza de estos contenidos se han instalado pantallas táctiles, televisores HD y marcos numéricos.


Del 4 de febrero al 2 de abril de 2016
Ganbara, 3er piso

Horario: De martes a sábado,  11:00 - 14:00 / 16:00 - 20:00 (abierto también 24, 25 y 26 de marzo)

 

 

Alfonso Berridi - ibilbidea / trayectoria

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Alfonso Berridi

Nace en San Sebastián en 1958.
Se licencia en Historia del Arte en Madrid y realiza estudios de dorado y policromía en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.
A través del dibujo se sumerge en la práctica artística. En su primera época creativa, coincidente con la “movida” madrileña, pasa de forma natural a una creación escultórica figurativa irónica y desmedida en la que personajes humanos y juguetes raros evocan un especial interés por la soledad, el extrañamiento y la angustia de la persona.

Su atracción por los materiales cotidianos, “pobres” o industriales le lleva a utilizar telas metálicas, rejillas, ramas, papeles… creando volúmenes que insinúan espacios excéntricos, algunos de especial lirismo o de un equilibrio formal muy bello, y estableciendo una constante en su obra: manifestar su preocupación por la inaccesibilidad de los espacios habitables y por la necesidad humana del refugio.
Inicia así un período fecundo, en el que, desaparecida la figura humana, incorpora la madera recuperada como elemento central de su hacer. Escaleras imposibles, extraños remates en largas y estilizadas piezas que insinúan espacios de recogimiento u oración y las “casas de pájaros”, atractivos nidos a los que es imposible acceder, pondrán de manifiesto, con mayor fuerza si cabe, la incapacidad humana por compartir la intimidad, la dificultad de recibir al “otro”, de facilitarle la integración.
La utilización de otro material pobre, el cartón, permite de nuevo la aparición  de lo humano en su obra. Al principio por medio de palabras, después con la incorporación de perfiles humanos, más tarde con el uso de la fotografía que capta edificios planos y personas en actitudes cotidianas de trabajo, espera o encuentro. Así, edifica un universo sugerente e inquietante en el que la “falta de horizonte” de las obras propuestas incidirá en la soledad, futilidad y ensimismamiento de lo humano.
Su trabajo como ilustrador de viñetas en la prensa diaria le permitirá ahondar más en los temas existenciales de la humanidad. La injusticia, la violencia y el abuso son tratados con rapidez, soltura, profundidad e ironía.
Se cierra así el relato que une la ironía de la escultura figurativa y distorsionada de los ochenta con las últimas obras, donde esa ironía es sabia, medida y clara. Han sido treinta años de creación.
Alfonso Berridi muere en Madrid en 2013.

 

 

Exposición

15.11.27 - 16.01.16

de martes a sábados:
11:00 - 14:00 y 16:00 - 20:00

 (excepto festivos)

 

Simon Arrieta 1915-1969

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Simon Arrieta 1915-1969

El recorrido vital y artístico de Simon Arrieta se ve truncado por la Guerra Civil, penales y batallones de trabajadores, la dictadura posterior, y por una muerte prematura con apenas 54 años, cuando aún no había llegado a su madurez artística.

La pintura de Arrieta está directamente vinculada a la época que le tocó vivir. Sin apenas despegarse del modo de entender el arte que le proporcionaba la sociedad vasca de entonces, cultivó lo próximo, realizando una obra cercana, generosa y popular. Sería difícil encasillar su pintura en un solo estilo, influenciado por los grandes maestros del pasado  como Velázquez o Manet, así como algunos artistas vascos de generaciones precedentes como Zuloaga o Arteta. Arrieta proporciona una síntesis entre una actitud tradicional y una asimilación de cierto espíritu moderno. Su pintura plantea una figuración con algunas libertades modernas, de la mano de la geometrización neocubista o de las sensaciones procedentes del impresionismo. Cercano a la obra de autores vascos como Olasagasti, o Zumalabe.

Simon Arrieta se afianza en la realización de retratos, reflejando una indagación psicológica, penetrante y aguda de las personas. Pintores que conocieron su técnica y su obra, así como aquellos que fueron retratados por él, apuntan que Simon Arrieta era capaz de captar el espíritu del que estaba posando y trasladarlo al lienzo.

En las obras de Simon Arrieta predomina la pintura figurativa. En cuanto a la técnica utilizada, cabe destacar la pintura al óleo y dibujos al carboncillo. Poseedor de una enorme habilidad en la representación, combinando una ejecución cuidada y armoniosa con otra espontánea y rápida. Presta especial atención a las modulaciones lumínicas y espaciales.

El gran mérito de Simón Arrieta, aparte de su valor pictórico, en muy importante, es el haber multiplicado esa afición. La cultura artística de Bergara y la interminable lista de artistas locales de las últimas décadas son fruto del tesón y transmisión del gusto por el arte al que contribuyó Arrieta.

 

 

 

Exposición

15.10.08 - 15.11.14

de martes a viernes: 16:00 - 20:00

sábados: 11:00 - 14:00 y 16:00 - 20:00

(excepto festivos)

 


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